Stillleben ist eines der am weitesten verbreiteten, klassischsten und bekanntesten Sujets der Kunst. Es ist ein Genre, das einen sehr langen Bildungsweg hinter sich hat, um autonom zu werden und historischen Kompositionen ebenbürtig zu sein. Wenn wir Stillleben von den Anfängen der westlichen Kunst bis heute betrachten, können wir die Entwicklung von Kultur, Philosophie und menschlichem Denken über Jahrhunderte hinweg verfolgen.
In der Antike war Stillleben unter den wohlhabenderen Schichten der Gesellschaft, die sich Wandmalereien leisten konnten, weit verbreitet. Einige Beispiele des Themas wurden in ägyptischen Gräbern gefunden, aber schönere Beispiele sind in Überresten der großen römischen Zivilisation in Pompeji, Herculaneum oder Oplontis zu sehen. Die berühmte altgriechische Fabel der Maler Zeuxis und Parrhasius erzählt von ihrem Geschicklichkeitskampf beim Malen eines Stilllebenstücks. Nach dem Aufstieg des Christentums und dem Untergang des Römischen Reiches im 4. oder mythologische Szenen.
Kunstgeschichte ist eine der ersten Stilllebenkompositionen mit „Hase“ aus dem Jahr 1502 von Albrecht Dürer, der von Italien beeindruckt war, obwohl er im nordischen Stil malte. Eines der ersten Gemälde, die als einzige Stillleben-Komposition standen, war definitiv „Fruit Basket“ von Caravaggio, das 1599 entstanden ist, als das Genre breiter akzeptiert wurde. Doch erst im 17. Jahrhundert erreichte das Thema Stillleben seinen Höhepunkt in den aufwendigen, philosophischen und meisterhaften Werken niederländischer und flämischer Meister.
Das Stilleben-Genre begann in Nordeuropa als direkte Folge der Reformation zu blühen. Rebellierend gegen die Politik des Vatikans begann die religiöse Malerei in Holland, Flandern und Deutschland zu sinken, sodass ein neuer Raum für andere, nicht-figurale Darstellungsformen geschaffen wurde. Obwohl kunstvoll und verschwenderisch abgelehnt wurde, war die Ölmalerei als Technik in den nördlichen Ländern sehr beliebt. Die politische und religiöse Situation ermöglichte es, das Stillleben weiterzuentwickeln und zu einem der symbolträchtigsten Typen barocker Sujets zu werden, gefüllt mit Hinweisen auf das Christentum, die Tugenden und das richtige Leben.
Mitte des 16. Jahrhunderts entstanden aufwendige Ladenszenen, die die hochentwickelte Handwerksgesellschaft Hollands und Flanderns darstellen. Einige der Meister dieser Zeit waren Pieter Aertsen und Joachim Beuckelaer. Etwas später entstand eine besondere Art von Stillleben. Der Name dafür war „Vanitas“ – um genau zu sein Eitelkeit, zusammengesetzt aus Elementen, die speziell ausgewählt wurden, um den Betrachter an seine ephemere Natur zu erinnern und seine Aufmerksamkeit auf die ewige Kürze des Lebens zu lenken, indem er „Memento Mori“ sagt – Erinnere dich an den Tod. Die wachsende Bevölkerung der niederländischen Puritaner akzeptierte diese Art der Malerei gerne, da sie alles darstellte, woran sie glaubten – als Propaganda für ein tugendhaftes, bescheidenes Leben. Dies war die Zeit der berühmtesten Stilllebenmaler, die wir heute bewundern – Harmen Steenwyck, Pieter Claesz, Willem Kalf oder Jan Davidsz de Heem.
Im Süden war Stillleben nicht so beliebt, da die Politik der Gegenreformation die Szene beherrschte. Eines der seltenen Beispiele ist das erwähnte Caravaggio-Stück oder einige der im 17. oder 18. Jahrhundert dem neapolitanischen Barock zugeordneten Werke. Der spanische Maler Francisco de Zurbaran akzeptierte das Thema, aber seine Darstellungen des Themas waren in der Beleuchtung deutlich dramatischer als die kunstvollen Werke des Nordens. Seinen Höhepunkt erreicht das Genre erst viel später in Spanien im Werk von Francisco Goya.
In Frankreich jedoch wurde das Stillleben vielleicht erst mit Chardin im 18. Jahrhundert autonom und wünschenswert. Jean-Simeon Chardin hebt den realistischen Charakter des Genres auf eine neue Ebene und zeigt wundervolle, fast greifbare Kompositionen. Ihm folgte im 19. Jahrhundert Theodore Gericault, obwohl Stillleben nicht die erste Wahl dieses romantischen Meisters war.
Schließlich erlangte das Stillleben im 19. Jahrhundert die volle Anerkennung als künstlerisches Genre, und am Ende des Jahrhunderts galt es nicht mehr als untergeordnetes Genre. Henri Jean Theodore Fantin-Latour war besonders berühmt für seine Blumenstillleben, aber die Impressionisten haben dem Thema eine neue Ära eingeläutet. Paul Cezanne ist vielleicht einer der bedeutendsten Maler, der sich viel mit der Geometrie bezog und damit den Grundstein für kubistische Theorien legte, während er Stillleben und die Landschaft von St. Victoire darstellte. Eine der bekanntesten Stillleben-Serien aus dieser Zeit ist die mit Sonnenblumen von Vincent Van Gogh.
Das 20. Jahrhundert brachte große Veränderungen in der Kunst und später auch in den Genres. Obwohl die frühen Modernisten sich stark mit Stillleben beschäftigten, angefangen bei den Fauvisten über die deutschen Expressionisten bis hin zu den Kubisten, spielte das Thema selbst keine große Rolle. Umso wichtiger waren Theorien, auf denen sie gemalt wurde, und Stile, die sich relativ schnell vermehrten. Dennoch drückten sich Künstler wie Henri Matisse, Georges Braque, Picasso durch Stillleben-Kompositionen aus. Dem Thema widmete sich besonders Giorgio Morandi, ein italienischer Maler, der einfache Gegenstände mit einem einzigartigen, lyrischen Stil porträtierte. Nach der Geburt der abstrakten Kunst blieb eine Gruppe von Modernisten dem Stilleben treu, aber die Bedeutung der arrangierten Objekte wird nie wieder die gleiche sein wie im Barock. Eine der emotionalsten Stillleben-Kompositionen der Zeit ist ein Stück von David Hockney, „Still Life on a Glass Table“, aus dem Jahr 1971, das dieses klassische und schöne Thema in völlig neuer Weise darstellt, während der Symbolcharakter des Genres beibehalten wurde.
Stillleben ist definitiv eines der wichtigsten Genres der Kunstgeschichte. Es spiegelt die Kulturgeschichte sowie die Beherrschung jedes einzelnen Künstlers wider, die es gemalt haben, und ist auch heute noch eines der wichtigsten Themen, die an verschiedenen Kunsthochschulen weltweit gelehrt und ausgeübt werden.
