7 Elemente der Kunst

Elemente der Kunst sind die Kernmerkmale eines Kunstwerks, visuell erkennbar und separat identifizierbar. Es gibt sechs Grundelemente der bildenden Kunst, die in besonderer Gegenüberstellung ein Kunstwerk ergeben. Sie sind Linie, Form, Farbe, Wertform und Textur.

Raum kann auch als eines der künstlerischen Elemente hinzugefügt werden. Der Schlüssel zum Verständnis der Prinzipien der Kunst und der Kunstanalyse ist das Erlernen dieser Elemente. Nicht alle müssen Teil jedes Gemäldes sein, manchmal ist das bewusste Fehlen einiger von ihnen ein herausragendes Merkmal eines Kunststils. Eine Regel gilt jedoch für alle: Malen lernen ist notwendig, neben und trotz Naturbegabung ist Wissen das elementare Sprungbrett für künstlerische Leistungen.

Leitung

Linie ist das einfachste visuelle Ausdrucksmittel. Es verbindet einen bestimmten Abstand zwischen zwei Punkten und kann gerade, kurvig, eckig oder frei sein. Breite, Richtung und Länge der Linie definieren oft den Strich eines einzelnen Künstlers.

Sie ist das entscheidende Element im Design und notwendiger Bestandteil von Marken und Zeichen. Ob dick oder dünn, Linie hilft, Form und Form zu formen, eine Zeichnung zu erstellen und ist folglich die grundlegendste Komponente figuraler und vieler abstrakter künstlerischer Stile. Einige Techniken, wie die Druckgrafik, basieren auf Linien, und einige Zeichnungstypen werden allein durch einfache Linien definiert, wie zum Beispiel Croquis.

Siehe die stark vereinfachte Zeichnung von Jean Dubuffet. Es erinnert an ein Kinderstück und ist mit klaren Linien schnell fertig. Die Zeichnung eines Hundes von David Hockney gehört zu einem anderen Stil, ist aber einfach mit der Linie als wesentlichem Bildelement ausgeführt.

Form

Form bezieht sich auf eine durch Kanten – Linien definierte Fläche, die zweidimensional ist. Es wird oft mit einfachen geometrischen Figuren wie Dreieck, Quadrat, Rechteck, Kreis oder verschiedenen Polygonen in Verbindung gebracht. Gleichzeitig kann es alle Umrisse der Natur nachahmen und Silhouetten verschiedener Tiere, Gegenstände, Menschen oder Pflanzen darstellen. Form kann ohne andere Grundelemente der Kunst nicht existieren. Sie sind auch für die Erstellung des Themas verantwortlich, sei es figurative oder abstrakte Kunst.

Sehen Sie, wie die grundlegende Geometrie als solche in De Stijl-Gemälden von Piet Mondrian verwendet wird. Auf der anderen Seite lehnt sich der Kubismus von Georges Braque an diese geometrischen Formen an, verwendet sie jedoch als Grundlage, um erkennbare Objekte zu bauen.

Farbe

Ohne Farbe keine Kunst. Farbe bestimmt die Atmosphäre in einem Gemälde, sie beschreibt Emotionen am besten, während Stile wie der Impressionismus fast ausschließlich auf Farbe basieren. Beachten Sie die hellen Nuancen von Monets Stück und die leuchtenden Farben von Van Goghs Landschaft.

Farbe ist die direkte Folge der Lichtreflexion und eines der wichtigsten Elemente der Kunst. Farbtöne gibt es in einer Skala, aber es gibt drei Grundfarben – Blau, Rot und Gelb. Beim Mischen ergeben diese drei Farben alle anderen Nuancen des Spektrums. Das erste Merkmal der Farbe ist daher die Nuance oder der Farbton, die die Farbe definiert, in Begriffen, die wir als Rot, Grün, Gelb, Orange usw. definieren. Intensität ist das nächste Merkmal dieses Bildelements, das die Klarheit des Farbtons im Bereich von hell, tief und lebendig bis hin zu matt oder pastell beschreibt. Intensität bezieht sich oft auf Sättigung oder deren Reinheit. Der Wert ist das dritte Merkmal der Farbe, das ihre Helligkeit oder Dunkelheit definiert. Jeder Farbton ist in verschiedenen Farbtönen erhältlich, mit Weiß getönt, um heller zu werden, oder mit Schwarz, um dunkler zu werden.

Wert

Wert ist das Element der Kunst, das neben der Farbe für den dramatischen und emotionalen Eindruck eines Kunstwerks verantwortlich ist. Es bezieht sich auf die Helligkeit und Dunkelheit eines Stücks, unabhängig von seinem Farbton. Manchmal als „Ton“ bezeichnet, kann der Wert durch Hinzufügen von Grau zur Basis erreicht werden – reine Farbe. Es ist wie Farbe irreversibel mit Licht verbunden, aber sein Zweck besteht darin, eine Illusion von Licht darzustellen. Daher müssen Oberflächen in einem Gemälde in unterschiedlichen Werten wiedergegeben werden, auch wenn das Motiv alle dieselbe Nuance aufweist. Schattierungen und Tönungen ermöglichen die grenzenlosen Übergänge bei der Oberflächenwiedergabe und evozieren, gekonnt ausgeführt, das natürliche Erscheinungsbild der Dinge. Wenn Sie sich das Meisterwerk von Vermeer „Frau mit Gleichgewicht“ ansehen, werden Sie sehen, wie ihre Haut und ihr Abschluss heller oder dunkler erscheinen, je nachdem, wie der Lichtstrahl auf sie fällt. Corots Landschaft stellt eine grüne Landschaft dar, aber wenn das Licht unter verschiedenen Winkeln auf den Wald fällt, erscheinen Gras und Blätter dunkler oder heller.

Form

Form bezieht sich auf die dreidimensionale Figur, die in einem Gemälde dargestellt wird. Es wird durch die Illusion von Volumen definiert, die durch die Verwendung von Schatten und Perspektive erreicht wird. Von der Form als solcher werden Breite, Höhe und Tiefe erwartet, und wie sie in der Malerei nur eine optische Täuschung ist, ist sie in der Skulptur der wichtigste Bestandteil. Formen stammen ebenso wie Formen aus der Geometrie und können Kegel, Würfel, Kugeln und ähnliches sein oder aus der Natur. Organische Formen definieren alle in der Natur vorkommenden Figuren, von Menschen, Tieren und Pflanzen bis hin zu anderen anorganischen natürlichen und unregelmäßigen Objekten.

Sehen Sie, wie Caravaggio in seinem Frühwerk „Basket of Fruit“ einige der grundlegenden Elemente der Kunst verwendet, um die Illusion einer dreidimensionalen Form zu erzeugen. Art Deco war ein moderner und dekorativer Stil, der weitgehend auf Geometrie basierte, aber die Darstellung der Form hatte eine ausgeprägte dreidimensionale Charakteristik, wie in der Arbeit von Tamara de Lempicka . zu sehen ist.

Textur

Textur beschreibt die taktile Qualität des gemalten Bereichs oder die Illusion dieser Qualität. Daher kann es greifbar oder bemalt sein – simuliert, wie eine echte Textur eines Stoffes, Steins, Holzes oder einer Haut aussehen kann. In der klassischen Kunst wurde simulierte Textur verwendet, um Stoffe, Objekte und Porzellanbräune darzustellen, aber mit dem Fortschreiten der Moderne und dem Aufkommen neuer Techniken wurde eine echte, taktile Textur immer häufiger. Textur verleiht dem Kunstwerk Reichtum, natürliche Charakteristik, und sein Fehlen kann auch eine bewusste Aussage sein. Es wird durch die Kombination anderer grundlegender Elemente der Kunst erreicht.

Die Textur in den Werken von Van Gogh ist ebenso wichtig wie ihre Farbe. Dicker und wuchtiger Impasto von Karel Appel unterstreicht die Ausdruckskraft und Emotion seiner abstrakten Gemälde.

Platz

Raum ist der Bereich, der das Kunstwerk und das gemalte Motiv umgibt oder ausfüllt. Die klassische Kunst hat sich seit langem der Schaffung einer Raumillusion verschrieben, während die moderne Kunst es geschafft hat, sie in vielerlei Hinsicht zu negieren. Die Moderne brachte die Idee eines positiven und negativen Raums hervor. Positiver Raum ist der Raum, den das Subjekt einnimmt, während negativer Raum es umgibt.

In der Renaissance war die Perspektive das Schlüsselwerkzeug, um die Illusion von Tiefe und Raum zu erreichen. Beachten Sie, wie Raffaello sein Interieur mit architektonischen Plänen zusammen mit dem quadratischen Fliesenboden baut und dabei den ausgewogenen Regeln der Perspektive folgt. Manets Meisterwerk „A Bar at Folies-Bergere“ ist ein frühmodernes, impressionistisches Werk, das durch Spiegelreflexion Raum schafft, in nebeneinander liegenden Ebenen statt in akademischer Perspektive.